Natur als Sprache: Kunst und Design, die das Organische ins Haus bringen

Im brasilianischen Design und in der brasilianischen Kunst ist ein Wandel im Gange, den die SP-Arte 2026 noch sichtbarer gemacht hat. Es handelt sich dabei nicht um eine Tendenz mit einem bestimmten Namen und einer definierten Farbpalette, sondern um eine stille Konvergenz: Künstler und Designer verschiedener Generationen und Sprachen sind auf unterschiedlichen Wegen zu der gleichen Entscheidung gelangt, mit dem Organischen als formalem Prinzip zu arbeiten. Wasser, Wurzeln, Früchte, Holz, gefiltertes Licht sind nicht länger nur dekorative Referenzen, sondern strukturieren die Objekte selbst. Alles, was in das Haus kommt, trägt nun die Logik der Natur sowohl in der Form als auch im Prozess.

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Janaina Tschäpe konstruiert innere Landschaften aus dichten Blautönen, die in der Farbe aufgelöst sind. Ihre großformatigen Gemälde waren im MoMA, im Musée de l'Orangerie und auf der Art Basel zu sehen, und ihre jüngsten Arbeiten, die in der Max Hetzler in Berlin und der Sean Kelly in New York präsentiert wurden, bewegen sich an der Grenze zwischen Erinnerung und emotionalem Zustand. Das Wasser in ihren Bildern ist kein Motiv, sondern eine Atmosphäre.

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Auf dem gleichen Territorium, aber mit einem anderen Vokabular, verwandelt Janaina Mello Landini Seile und Fäden in Strukturen, die Wurzeln, Flüsse und Verzweigungen nachahmen. Die Ciclotramas basieren auf einem genuin investigativen Interesse und behandeln die Natur als System, nicht als Bild.

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Was bei diesen beiden Künstlerinnen Malerei und Installation ist, wird in den Händen von Adriana Yazbek und dem Studio Fahrer zum Objekt. Yazbek, eine ausgebildete Architektin, produziert handgefertete Leuchten, deren Formen direkt aus der brasilianischen Flora stammen: die Pitanga, die Blumen, die Früchte. Jedes Stück bewegt sich zwischen Funktion und Skulptur, und der manuelle Prozess ist ein konstitutiver Teil des Ergebnisses, nicht nur eine Fertigstellung.

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Das Studio Fahrer, geleitet von Sergio Fahrer, Jack Fahrer und Heloisa Samaia mit mehr als drei Jahrzehnten Erfahrung, hat die multilaminierte, gebogene Holztechnik zu seiner technischen Signatur gemacht. Es handelt sich um eine Methode, das Material zu biegen, ohne es zu brechen, und aus den Fasern eine Form zu extrahieren, die das flache Holz einfach nicht zulässt. Stücke der Marke sind Teil der Sammlungen des MoMA und des Pavillon Le Corbusier.

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Der Stuhl Pérolas des Designers Nicholas Oher kam auf der Messe in der Ausstellung "A Quarta Dimensão" hinzu, die von der Plattform Boobam mit dreizehn brasilianischen Studios organisiert wurde. Das Stück fasst gut zusammen, was diese Generation vorschlägt: ein funktionales Objekt, das die formale Untersuchung nicht aufgibt und in der Natur ein konstruktives Prinzip findet, nicht nur eine visuelle Referenz. Wenn diese Arbeiten in einem gemeinsamen Messekontext zusammengefasst werden, deuten sie auf etwas hin, das über eine thematische Affinität hinausgeht. Es gibt eine gemeinsame Ablehnung des Industrialismus als einziges Parameter und eine Wette auf die langsame Zeit der Materie.

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