Klára Hosnedlová presenta “Echo” en White Cube con instalación inmersiva sobre tiempo, arquitectura y materia viva

Entre estructuras metálicas, tapices monumentales y formas orgánicas en crecimiento, la artista checa Klára Hosnedlová construye en “Echo”, su exposición en la White Cube Bermondsey, un ambiente total que investiga el tiempo como materia plástica.

Nacida en 1990, parte de la primera generación postcomunista de la República Checa, Hosnedlová desarrolla una práctica que articula arquitectura, escultura, bordado y performance en instalaciones site-specific. Su trabajo parte de una investigación sobre utopías modernas de Europa Central y sus reverberaciones contemporáneas, combinando referencias al brutalismo, a la ficción científica y a las tradiciones artesanales de la región.

En “Echo”, en cartel hasta el 29 de marzo de 2026, el espacio expositivo es convertido en una especie de excavación arqueológica del futuro. Estructuras industriales y plataformas metálicas son ocupadas por relieves en arenisca, bordados hiperrealistas y masas orgánicas cultivadas con micelio y hongos reishi. La paisaje sugiere un escenario postnatural, donde vestigios humanos coexisten con procesos biológicos en curso.

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En el centro de la práctica de Hosnedlová se encuentra el bordado manual, desarrollado a partir de fotografías producidas por la propia artista. Antes de cada exposición, ella escenifica performances privadas dentro de las estructuras que construye. Estos registros se convierten en la base para paneles bordados con hilo de seda o algodón, ejecutados a lo largo de meses.

Las imágenes resultantes muestran fragmentos de cuerpos y gestos suspendidos en el tiempo: manos sosteniendo un fósforo encendido, dedos marcando superficies con carbón, bocas adornadas con joyas dentales. El gesto, frecuentemente asociado a tecnologías primarias como el fuego o el dibujo, aparece como instrumento de memoria y transmisión.

El bordado, tradicionalmente asociado al campo del artesanal y del doméstico, es desplazado a una escala monumental e insertado en una cenografía arquitectónica. Al hacer esto, Hosnedlová tensa las fronteras entre arte, artesanía y construcción espacial, tratando el hilo como un medio de inscripción histórica.

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Formada en la Academy of Fine Arts de Praga, la artista desarrolló una investigación consistente sobre arquitectura modernista y brutalista de Europa Central. En su obra, los edificios son entendidos como futuros vestigios arqueológicos — estructuras que llevarán, para generaciones futuras, marcas de ideologías y deseos colectivos.

En “Echo”, esta lógica se materializa en plataformas elevadas, paredes metálicas y esculturas con apariencia fosilizada. Elementos industriales son combinados con fibras naturales, piedra y resina mineralizada. El contraste entre acero y materia orgánica refuerza la sensación de un mundo en transición, donde el pasado industrial y el crecimiento biológico se entrelazan.

El espacio expositivo deja de ser un contenedor neutro y pasa a operar como un organismo. Fragmentos de figurinos abandonados, hojas esparcidas y marcas en las superficies sugieren el paso reciente de cuerpos. La presencia humana es insinuada, nunca central.

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La noción de “eco” funciona como principio estructural de la exposición. Elementos de proyectos anteriores reaparecen reconfigurados, creando continuidad entre muestras distintas. Las ideas no son repetidas, sino transformadas.

Al incorporar hongos vivos y procesos de crecimiento biológico, Hosnedlová introduce el tiempo como agente activo. La obra no es estática: ella se altera, madura y reacciona al entorno. El sonido, desarrollado como parte de la instalación, amplía esta dimensión, agregando capas temporales al espacio físico.

En lugar de proponer una narrativa lineal, “Echo” sugiere que el tiempo puede ser comprimido, acumulado y reactivado. El pasado artesanal, el modernismo utópico y un imaginario posthumano coexisten en el mismo plano.

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Con exposiciones recientes en instituciones como Kunsthalle Basel y Hamburger Bahnhof, Hosnedlová consolida una práctica que trata la instalación como ambiente total. Cada proyecto es concebido como un sistema cerrado, donde escultura, imagen y performance operan de forma interdependiente.

En “Echo”, la artista no presenta objetos aislados, sino un territorio. La instalación funciona como un campo de tensión entre materia industrial y materia viva, entre memoria histórica y proyección especulativa.

El resultado no es una visión distópica ni celebratoria del futuro. Es un espacio suspendido, donde el visitante camina por un paisaje que parece simultáneamente ancestral y por venir.

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