RioFW 2026: Handred

El desfile, orquestado por la dramaticidad de la Companhia de Ópera da Lapa, instauró una atmósfera de ópera brasileña que tensiona luz y sombra en un diálogo directo con la estética barroca. Lo que se vio no fue una representación mística superficial, sino la traducción de registros íntimos, accedidos mediante meditación, en un lenguaje material preciso y denso. Hay una inteligencia en este proyecto que utiliza el tiempo como un elemento activo en la construcción de las piezas, revelando capas de sentido que trascienden el gesto estético para convertirse en un acto de reconocimiento identitario.

El rigor del diseño se manifiesta en siluetas que equilibran exceso y contención, donde estructuras complejas en cuero con bordados en matelassé conviven con la fluidez de vestidos en crepé. El proyecto gráfico de la colección, desarrollado por Camila Levy, presenta dibujos granulados y corroídos que remiten a frescos y techos lúdicos, reinterpretando bóvedas y cúpulas en intervenciones manuales sobre la tela.

Hay una sofisticación técnica en el uso de shantungs que mezclan plisados, pespontos y bordados, creando superficies que parecen envejecidas por el tiempo. Esta tridimensionalidad se refuerza con accesorios escultóricos, como las cerámicas pintadas a mano en colaboración con el taller SSSopro y los aretes de Julia Levenstein, que anclan el imaginario onírico de la marca en la materia cruda. La paleta de colores recorre un camino de densidad e introspección, fundamentada en marrones profundos, verdes y negro, salpicada por toques de rosa y cobre.

Estas tonalidades organizan la narrativa de una colección que se niega a ser efímera, apostando por colores que evocan la sedimentación del tiempo y la solidez de los materiales. El color aquí funciona como soporte para símbolos místicos y elementos de diferentes matrices culturales que se entrelazan en el campo manual de Handred. El contraste cromático, aliado al uso de tafetanes, gazares y veludos, crea un juego visual donde el brillo y la opacidad operan en fricción constante, reforzando el carácter dramático y sinuoso de la presentación.

La materialidad es el eje central que garantiza la continuidad de la investigación de André Namitala, uniendo lana, seda y algodón en un repertorio textil de extrema sofisticación. El trabajo artesanal, evidenciado en los bordados del Atelier Simone Brum y en el macramé de Casa Ponte, demuestra una valoración del saber manual que es intrínseca al ADN de la etiqueta. La ropa deja de ser solo una cobertura para convertirse en una construcción de sentido, donde el misterio habita los planos internos que deben ser revelados por quien la lleva. Cada pieza lleva consigo la herencia de un atelier numeroso y dedicado, cuyas manos materializan la complejidad de un pensamiento que ve en la moda una forma de acceder a capas invisibles de la constitución humana